Pendant l'automne 1888, Paul Gauguin et Vincent van Gogh se sont retranchés dans une maison arlésienne aux murs jaunes pour y boire, discuter, se disputer, et bien sûr créer... De l'amitié à la guerre fratricide, retour sur un épisode aux accents de tragédie moderne.
Entre les mois d'octobre et de décembre 1888, deux des plus grands peintres de l'histoire ont partagé une petite maison jaune aux angles irréguliers dans la ville d'Arles. Pendant neuf semaines, Vincent Van Gogh et Paul Gauguin y ont peint, bu, visité les bordels et hanté les cafés, se sont étudiés, jalousés, disputés, et s'y sont affrontés dans un huis-clos créatif à nul autre pareil. Le célèbre critique d'art anglais, Martin Gayford, relate ici cette incroyable aventure ; la subtile, prodigieuse et toxique amitié entre deux géants qui ne pouvaient que se heurter dans un si petit espace, produisant des étincelles de génie et les ferments d'un drame connu. Le talent de Gayford est de dessiner pour nous, autour du motif tragique de cette oreille tranchée, une exploration intime ne se réduisant pas à une glissade vers la folie. Lire la suite Fermer

Dans cet ouvrage remarquable, les idées, les anecdotes, les passions et l'humour de Hockney élaborent son point de vue sur les problématiques et les paradoxes de la représentation d'un monde en trois dimensions sur une surface plane. Hockney suggère que « dessiner apprend à regarder [et que] plus on dessine, mieux on y voit ». Quels sont les liens qui unissent les images que nous fabriquons à la réalité qui nous entoure ? Comment l'évolution des technologies a-t-elle affecté la manière dont les artistes représentent le monde ? Et comment apprécier à sa juste valeur le plaisir simple de contempler des arbres, des visages ou des couchers de soleil ?
Nos deux interlocuteurs ponctuent leur conversation d'observations éclairantes sur nombre d'autres artistes comme Van Gogh ou Vermeer, le Caravage, Monet ou Picasso, et formulent des remarques lumineuses sur le contraste frappant entre les paysages de la Californie, où Hockney a passé tant d'années, et du Yorkshire, la région de son enfance où il vit à nouveau aujourd'hui.
Quelques-uns des artistes qu'il a rencontrés en chemin, notamment Henri Cartier-Bresson et Billy Wilder, font des apparitions intéressantes au détour du dialogue.
Autoportrait unique et fascinant de l'un des artistes britanniques les plus célèbres et les plus influents de son temps, Conversations avec David Hockney deviendra sans nul doute un ouvrage de référence sur la nature de la création.
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De novembre 2003 à juillet 2004, le critique d'art Martin Gayford se rend deux fois par semaine, en fin de journée, dans l'atelier de Freud - l'immense artiste britannique décédé en juillet 2011 à l'âge de 88 ans. Au fur et à mesure qu'émerge sur la toile son portrait - L'Homme à l'écharpe bleue -, nous découvrons la relation intense qui s'établit entre le peintre et son modèle, une relation qui fait partie intégrante de la manière de travailler de Freud.
Grâce aux nombreuses et longues conversations rapportées par l'auteur, que celles-ci aient lieu dans l'atelier ou plus tard au restaurant où l'artiste aime à continuer d'observer son modèle, nous pénétrons dans l'univers intime de Freud qui livre quantité d'observations passionnantes sur l'histoire de l'art ou d'anecdotes souvent savoureuses sur sa vie. Ainsi, tandis que par petites touches successives Gayford nous raconte son expérience de modèle et nous fait comprendre de l'intérieur ce qu'est un portrait - une oeuvre d'art qui naît de la rencontre de deux individus -, un autre portrait se construit, fait de mots : celui de l'artiste au travail.
Le livre est illustré de nombreuses oeuvres exécutées par Lucian Freud depuis les années 1940 jusqu'aux années 2000. Fourmillant d'observations d'une grande finesse et de confidences inattendues, L'Homme à l'écharpe bleue restera comme l'un des ouvrages les plus originaux et les plus captivants sur l'art pictural de notre époque.
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Une histoire des images pour les enfants fait voyager ses lecteurs à travers l'histoire de l'art : depuis les peintures retrouvées sur les parois des grottes préhistoriques, jusqu'aux images que nous créons aujourd'hui grâce à nos ordinateurs et téléphones portables.
Inspirée du best-seller Une histoire des images, cette version destinée aux enfants est racontée par le biais de conversations entre l'artiste David Hockney et l'auteur Martin Gayford. Ils nous parlent d'art avec une simplicité et une clarté stimulantes. Les illustrations de Rose Blake accompagnent les reproductions d'oeuvres d'art pour une maquette dynamique et fourmillante de détails à observer.

Fort de l'expérience d'une vie passée à créer sans relâche, David Hockney, en collaboration avec le critique d'art Martin Gayford, nous raconte comment et pourquoi nous produisons des images depuis des siècles. Il rassemble une grande variété d'images, faisant tomber les barrières entre regard savant et culture populaire. Sa grande qualité est de savoir tisser des liens inattendus mais toujours pertinents, de mêler les périodes et les supports pour nous raconter l'histoire des images avec une facilité surprenante et nous aider à réenvisager des peintures qui nous semblaient familières. Cette nouvelle édition enrichie d'un chapitre supplémentaire se présente dans un format réduit et maniable, plus propice à la lecture.

À l'aube de ses quatre-vingts ans, David Hockney a recherché pour la première fois la tranquillité à la campagne, un lieu où observer le coucher du soleil et le changement des saisons, un endroit où tenir à distance la folie du monde. Ainsi, lorsque la Covid-19 et le confinement ont frappé, cela n'a pas changé grand-chose à la vie à La Grande Cour, la ferme normande plusieurs fois centenaire où Hockney avait installé son atelier un an auparavant.

On ne reporte pas le printemps est un manifeste qui célèbre la capacité de l'art à divertir et à inspirer. Il s'appuie sur une multitude de conversations et de correspondances inédites entre David Hockney et le critique d'art Martin Gayford, son ami et collaborateur de longue date. Leurs échanges sont illustrés par une sélection de peintures et de dessins inédits réalisés par l'artiste sur son iPad en Normandie, en lien avec des oeuvres de Van Gogh, Monet, Brueghel et d'autres encore.

Constamment poussé à aller de l'avant par son enthousiasme contagieux et son sens de l'émerveillement, à contre-courant depuis toujours, mais très populaire depuis soixante ans, Hockney ne se préoccupe pas de l'opinion des critiques. Totalement absorbé par son environnement et les thèmes qui le fascinent depuis des décennies: la lumière, la couleur, l'espace, la perception, l'eau, les arbres, il a beaucoup à nous apprendre, non seulement sur notre façon de voir... mais aussi sur notre façon de vivre.
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À l'occasion de la rétrospective David Hockney du 21 juin au 23 octobre au Centre Pompidou à Paris, l'artiste nous livre une superbe histoire de la peinture et de la photo, abondamment illustrée, pour comprendre l'histoire de l'art de façon ludique et inattendue.
Au fil de chapitres courts ponctués d'anecdotes éclairantes, l'artiste nous livre sa vision de l'histoire des images. Analysant aussi bien un tableau de Poussin qu'un portrait de Van Gogh en passant par un film de Scorsese ou un bas-relief antique, il bouscule les conventions et nous montre que la perspective linéaire n'est pas la seule représentante de la réalité, que la photographie est l'enfant de la peinture, comment Le Caravage a inventé l'éclairage hollywoodien ou pourquoi l'atelier de Van Eyck ressemblait probablement aux studios de la MGM !
Des grottes aux écrans d'ordinateur, David Hockney, avec la collaboration du critique d'art Martin Gayford, explore les moyens et les raisons qui ont présidé à la création des images au fil des millénaires.
Que montrent les images ? Des mensonges ou la réalité ? Les photographies restituent-elles le monde tel que nous le percevons ? Qu'a changé l'apparition de la photographie en 1839 ?
Exposant un large éventail d'images, par le rapprochement entre le photogramme d'un dessin animée de Walt Disney et une estampe japonaise, la scène d'un film d'Eisenstein et une peinture de Vélasquez, les auteurs effacent les frontières entre la culture traditionnelle et le divertissement populaire, et établissent des passerelles inattendues entre la mise en scène de cinéma et les tableaux, la photo et le dessin. Lire la suite Fermer