Les peintures, dessins, céramiques et sculptures de J. Miro sont présentés sur sept décennies, les auteurs mettant en lumière son évolution stylistique et ses renouvellements incessants. Des poèmes de L. Aragon, M. Jacob, R. Char ou encore T. Tzara accompagnent ce parcours dans l'oeuvre de l'artiste.
Première rétrospective en France consacrée à Araki, l'un des plus grands maîtres de la photographie contemporaine japonaise, l'exposition retrace quelque cinquante années de travail d'Araki, de la série «Théâtre de l'amour» (1965) à des oeuvres inédites, dont l'installation «Tokyo-Tombeau» (2015), spécialement réalisée par l'artiste pour cette présentation au MNAAG. Nobuyoshi Araki, né à Tokyo en 1940, a publié au cours de sa carrière plus de cinq cents livres de photographies, ce qui fait de cet artiste le plus prolifique des photographes. Sa notoriété mondiale a souvent reposé sur l'érotisme de son art, et notamment sur les séries sulfureuses consacrées à l'art du kinbaku (bondage japonais né de l'art martial traditionnel du ligotage, le hojojutsu). La photographie d'Araki est cependant plus riche et plus complexe que ce seul chapitre, et l'exposition veut montrer la profondeur, l'ampleur et la poésie de son oeuvre. Ainsi, à travers un parcours en chapitres thématiques, nous sont présentées les séries consacrées aux fleurs, à Tokyo, à l'histoire d'amour passionnelle d'Araki avec son épouse Yoko ; des ciels de Tokyo, motif qu'Araki photographie chaque jour depuis plus de vingt-cinq ans ; et des extraits de son «journal intime photographié».
Des rues de Kinshasa aux murs des plus célèbres institutions culturelles du monde, l'oeuvre de Chéri Samba emporte partout avec elle sa « griffe » et son propos universel. Regard de l'artiste et voix du peuple prennent vie dans des compositions colorées uniques, tantôt narratives, tantôt dénonciatrices, parfois méditatives. C'est à travers une partie de l'exceptionnelle collection d'art contemporain africain de Jean Pigozzi, et de l'histoire de celle-ci, que le public (re)découvrira et commencera à chérir Chéri Samba. Véritable figure de proue de l'« art populaire » congolais, l'artiste redouble d'ingéniosité et d'humour pour attirer l'attention du passant et du visiteur, qui ne forment dans son public qu'une seule et même personne.
Cet ouvrage qui accompagne l'exposition rétrospective au musée Maillol, sous le commissariat de Jérôme Neutres et d'Elisabeth Whitelaw, propose de nombreux éclairages sur une oeuvre aussi singulière que passionnante, qui dépasse toutes les frontières géographiques et artistiques.
Artiste français d'origine tatare, Pascal Haudressy (1968 - 2021) a développé une oeuvre singulière mêlant sculpture, peinture et nouvelles technologies. Images digitales et réalité virtuelle, intelligence artificielle et robotique : les mutations du réel et la pluralité des expériences nouvelles qui en découlent constituent le point de départ de sa réflexion et de sa pratique artistique. Formant un trait d'union entre le passé lointain et l'avenir, entre la science et le mythe, cette oeuvre innovante a été brutalement interrompue par le décès de l'artiste. Ce livre, le second publié par les éditions Skira sous la direction de David Rosenberg, explore les différentes facettes du travail de Pascal Haudressy et rassemble des contributions de commissaires d'exposition et de spécialistes proches de l'artiste : Domitille d'Orgeval, Françoise Paviot, Miguel Chevalier, Jérôme Neutres et Jérôme Sans.
Cette monographie offre une vue panoramique sur l'univers artistique de Miguel Chevalier. Elle met en lumière l'écriture spécifique qu'il a développée à partir des outils numériques et son évolution sur les 18 dernières années (2000-2018), ainsi que ses questionnements sur l'art et sur le monde qui nous entoure. Cet ouvrage nous plonge dans la fécondité d'un imaginaire, à la fois novateur et inscrit dans la continuité de l'histoire de l'art du XIXe et du XXe siècle.
Une préface de Jérôme Neutres (Directeur de la stratégie et du développement de la Réunion des musées nationaux-Grand Palais et commissaire de nombreuses expositions, telles que Bill Viola, Helmut Newton, Robert Mapplethorpe) et un entretien avec David Rosenberg (commissaire d'expositions et auteur) apportent en complément un éclairage sur le parcours et la démarche artistique de Miguel Chevalier.
Quatre chapitres, différenciés par des papiers de couleur fluo, illustrent les grandes thématiques de son travail : Flux et Réseaux, Arabesques Numériques, Nature et Artifice, Méta-Territoires.
Cet ouvrage présente des expositions et installations numériques réalisées à travers le monde, dans des musées (Musée d'art moderne de Céret en 2014; Musée Royaux de Belgique à Bruxelles en 2015), dans l'espace public (Palacio de Bellas Artes à Mexico en 2013 ; Forum des Halles à Paris en 2017), des espaces patrimoniaux (ancienne église de Casablanca (Maroc) en 2014 ; Castel del Monte à Andria (Italie) en 2014 ou à l'Eglise de Saint Eustache à Paris en 2016).
Il présente enfin des photos de l'exposition personnelle «?Digital Abysses?» présentée du 8 mars au 20 mai 2018 à la Base sous-marine de Bordeaux et de l'installation «?Extra-Natural?» présentée au Grand-Palais dans le cadre de l'exposition «?Artistes & Robots?» du 5 avril au 9 juillet 2018.
A la mort de Jean Genet, en 1986, Un captif amoureux, mémoires politiques des années 70 que l'écrivain a vécues parmi les combattants palestiniens, les révolutionnaires noirs américains et les travailleurs maghrébins, est conspué par le monde des livres comme un texte terroriste, coup de sang d'un vieux gauchiste égaré. Pas de rupture pourtant dans l'oeuvre de Genet comme la génération politiquement correcte voudrait nous le faire croire : au contraire, le scandale d'Un captif amoureux qui loue les « doux terroristes » poursuit celui de Notre-Dame-des-fleurs qui chantait les « beaux assassins ». Et dès ses premiers romans, pour goûter « la fraîcheur de n'être plus en France », Genet regarde vers le Sud. Un Sud géographique et imaginaire qui ressortit à trois engagements fondamentaux : une émotion poétique, une position politique et la rencontre amoureuse avec des hommes qui incarnent les damnés de la terre. Monographie d'un écrivain compromis plutôt qu'engagé, cet essai retrace l'itinéraire littéraire et politique de Genet sur la « route des mendiants », de ses poèmes de prison à ses souvenirs d'outre-tombe en passant par de nombreux textes inédits. Docteur ès Lettres, Jérôme Neutres est né en 1970. Il est l'auteur d'articles sur l'art et la littérature et a réalisé plusieurs films documentaires. Attaché culturel auprès de l'Ambassade de France en Inde, il vit et travaille à Delhi.
Fondée en 1780, Chaumet est l'un des bijoux de la place Vendôme, épicentre de la haute joaillerie parisienne. De nos jours, la maison continue de concilier innovation et tradition, mettant son incomparable savoir-faire au service de créations qui reflètent la sophistication parisienne. Après la parution en 2016 d'un premier coffret de trois volumes dans la collection « Mémoires » (sur la place Vendôme, l'art du diadème et le naturalisme), ce deuxième opus de trois volumes aborde les thèmes des arts en général, de la photographie en particulier et des fêtes, au fil de ces 237 ans d'histoire et de création artistique signés Chaumet.
Le goût de l'art (by Jérôme Neutres).
Une Maison de joaillerie est semblable à une symphonie virtuose d'artistes créant des pièces uniques au diapason. Dirigée par des créateurs peintres, dessinateurs et sculpteurs, Chaumet a façonné son style en synergie avec les courants artistiques majeurs. Choisies par les plus grands collectionneurs, ses créations deviennent sujets de l'art: une véritable épopée où culture rime avec sculpture, poésie et lumière.
Dans l'oeil de Chaumet (de Gabriel Bauret).
Précurseur, Chaumet initie dès 1890 un travail photographique méticuleux, immortalisant chacune de ses créations, ainsi que la vie de la Maison, et choisit aussi ce médium à des fins scientifiques pour l'étude des gemmes. Un voile se lève aujourd'hui sur le trésor inédit que représente ce fonds, offrant un panorama des procédés du 20ème siècle. Ainsi, depuis la seconde partie du 19ème siècle, l'oeil du joaillier sur ses propres créations dialogue avec celui du photographe de natures mortes Guido Mocafico. La série de photographies qu'il a spécialement réalisée pour le présent ouvrage est le fruit de son regard sur le fonds photographique de Chaumet.
Chaumet est une fête (by Antoine de Baecque).
La collection de haute joaillerie Chaumet est une Fête rend hommage aux grandes occasions festives, illuminées par l'éclat des diamants, captant la musicalité et la magie de chaque époque. Des fêtes impériales aux discothèques, en passant par les bals surréalistes du 20ème siècle, voici un voyage dans l'évolution des codes de la fête et des parures de joaillerie qui l'accompagnent.
Francis Giacobetti a non seulement réinventé le nu, mais tout le processus artistique de la prise d'images, en vidéo comme en photographie. Il a été le photographe principal du célèbre mensuel Lui, depuis sa création, ne souffrant aucune retouche and travaillant sous quatorze pseudonymes différents. Autant doit-on à ce magazine d'avoir apporté sur la scène parisienne le mythe de la pinup, autant Giacobetti est-il aujourd'hui reconnu pour avoir apporté une touche d'élégance dans l'univers du nu. Et ce en projetant de l'imaginaire et du désir dans les photos de genre, telles certaines des meilleures années des calendriers Pirelli et sa portraiture des artistes, acteurs et mannequins les plus connus au monde.
L'approche peu orthodoxe de cet autodidacte en matière de techniques, lumières et ombres, lui a valu des couvertures aux images et formats multiples, et a hissé le nom de Giacobetti au panthéon des grands de la photographie. Célèbres pour leur aspect à la limite de la photographie et la peinture, entre artisanat et art, les séries de Francis Giacobetti (Zébras, Iris, Hymn, ses portraits de Bacon) comme ses procédés ont déconcerté les maîtres de l'art et, selon la plupart, expriment toute la beauté du corps humain.
The 'volcanic' art of Cai Guo-Qiang in Pompeii and Naples recaptures the link between ancient and contemporary sensibility. In collaboration with curator Jérôme Neutres, the internationally-acclaimed artist and pioneer of explosion art establishes a new dialogue between the viewer and the masterpieces of the National Archaeological Museum of Naples (among them the Venus Callipyge, the Farnese Hercules, the Atlas, frescoes, and mosaics..).
Displaying his mastery, Cai Guo-Qiang creates a new body of work through a mesmerizing explosive studio performed in the Amphitheatre of Pompeii. Evoking the 79 AD catastrophe that destroyed the city while paradoxically preserving the art in its ashes, art is born, or rather reborn, from the magmatic bowels of the Vesuvius. This very destruction is a source of creation, and history a source of unlimited inspiration.
New and historical trends in computer art from around the globe.
This volume surveys leading artists from Saudi Arabia and around the world for whom computer technology figures centrally. Drawn mostly from the computer art collection of the Guy & Myriam Ullens Foundation in Switzerland, the work featured spans the 1960s to the present. The catalog studies both the pioneers and emerging practitioners of computing art, assembling a history of the interaction between art and technology.
Artists include: Davide Quayola, Frieder Nake, Harold Cohen, Vera Molnar, Manfred Mohr, Wang Yuyang, Lulwah Alhomoud, Peter Kogler, Riyoji Ikeda, Leo Villareal, Miguel Chevalier, Daniel Rozin, Casey Reas, Refik Anadol, Vj Um Amel, Nasser Alshemimry, Elias Crespin, Alan Rath, Anna Ridler, Yang Yongliang, Christa Sommerer & Laurent Mignonneau, Edmond Couchot & Michel Bret, Haythem Zakaria, John Gerrard, Leonel Moura, Muhannad Shono, Yining Fei & Chuck Kuan, Eyad Maghazil, Aaajio, Daniah Al-saleh and Charles Sandison.
Né à Shanghai en 1935, Hsiao Chin est le fils d'un célèbre musicien. En 1949, il part vivre à Taïwan et entre en 1952 dans l'atelier de Lee Chun-Shan où il suit l'enseignement du maître pendant quelques années. En 1956, il participe activement à la fondation du Ton Fan Group et obtient une bourse d'étude lui permettant d'étudier l'art en Espagne. Alors qu'à cette époque les informations sur l'art contemporain occidental sont encore très sommaires à Taïwan, Hsiao Chin envoie régulièrement des articles qui sont publiés dans un journal de Taipei, le United Daily News. Il correspond aussi régulièrement avec les artistes du Ton Fan Group, dont il reste très actif malgré son éloignement. En 1959, il s'installe à Milan où il fonde le Punto Group, et se lie d'amitié avec Lucio Fontana. Il part vivre aux États-Unis entre 1967 et 1972, enseigne la peinture dans différentes écoles prestigieuses et rencontre des artistes tels que Mark Rothko et William De Kooning. En 1973, Hsiao Chin retourne vivre à Milan. Une grande rétrospective de son oeuvre a lieu au musée de Kaohsiung à Taïwan en 2010.
Les Couleurs du zen est édité à l'occasion de l'exposition éponyme qui se tiendra au musée national des Arts asiatiques - Guimet au printemps 2019. Ce catalogue présente une cinquantaine d'oeuvres de l'artiste, datées entre 1956 et 2015. Le format à l'italienne donne la part belle à l'image, mettant ainsi en valeur les encres sur toile, sur papier ou encore les peintures à l'acrylique de l'artiste. Au cours de sa vie Hsiao Chin s'intéresse de plus en plus à la représentation de l'infini. Il tente de capturer le cosmos dans des oeuvres minimalistes, en utilisant des formes régulières, souvent circulaires, aux contours mouchetés. S'appuyant sur des symboles spirituels partagés par les civilisations orientales et occidentales, il s'attache à retranscrire ces idéologies et cherche à affiner les représentations de la beauté avec une grande simplicité. Ces oeuvres d'art contemporain, aux couleurs vives et franches et aux motifs géométriques, alternent avec des toiles plus douces, directement inspirées des estampes japonaises.
